Estudió guitarra con su padre, guitarrista y coleccionista de partituras, y más tarde con José Brocá. Abandona España para trasladarse a París en 1882 para ejercer la docencia en el Instituto Rudy y en la Académie Internationale de Musique (una serie de sus composiciones están dedicados a alumnos, sobre todo a alumnas). Durante esta época toca regularmente como solista. Seguidamente se traslada a Barcelona, dónde será profesor del Conservatorio del Liceo. Tras una nueva estancia en París, se instala definitivamente en Barcelona a partir de 1898, dónde muere en 1916.
Su obra contiene piezas de guitarra sola, a menudo adaptadas al estilo de la música de salón de moda en la época, con títulos como Le charme de la nuit, La danse des naïades,... También escribió un método para guitarra, así como dúos para guitarra y flauta, y alguna canción.
Es hijo de Antonio Lauro Ventura, quien era barbero y músico, nacido en Pizzo Calabri, Italia y de Armida Cutroneo, nacida en Marate un pueblo al sur de Italia, quien fue la inspiración para la pieza musical que lleva ese nombre: Armida.[1] Su padre falleció cuando el apenas cumplía 5 años. Los estudios musicales los realizó en Caracas a la edad de 9 años en la Academia de Música y Declamación (hoy Escuela Superior de Música "José Ángel Lamas")[2] , donde fue discípulo de Vicente Emilio Sojo, Juan Bautista Plaza, Savador Llamozas y Raúl Borges quien fue su maestro de guitarra entre 1930 y 1940. Debido a que carecía de recursos económicos con los cuales financiar sus estudios musicales, los tuvo que costear trabajando como guitarrista acompañante en los programas de la emisora de radio Broadcasting Caracas (actual Radio Caracas Radio). También fue integrante del grupo Orfeón Lamas, fundado por Vicente Emilio Sojo fundó en 1928 y la cual dirigio durante 9 años, donde algunas veces le tocaba interpretar el bajo. En 1935, fundo y fue parte de un conjunto musical llamado "Los Cantores del Trópico", en el que comenzó a destacar como compositor y arreglista, particularmente de piezas para guitarra. En 1940, al recibir su título de maestro compositor se dedica formalmente a la creación musical.
En 1947, compuso una de sus primeras obras de importancia, el poema sinfónico con solistas y coro Cantaclaro, inspirado en la obra homónima de Rómulo Gallegos. A raíz del golpe de Estado del 24 de noviembre de 1948 durante la dictadura de Marcos Pérez Jiménez, fue encarcelado y exiliado por sus vinculación con algunos dirigentes del partido Acción Democrática, permaneciendo 10 años (1948-1958). Durante este tiempo compuso excelentes y recordadas obras musicales.[2] Lauro es considerado como uno de los principales maestros latinoamericanos de la guitarra, contribuyendo además a ampliar de manera definitiva el repertorio universal de ese instrumento. Director de la Orquesta Sinfónica Venezuela, así como del trío Raúl Borges, compuso numerosas piezas para guitarra entre las cuales cabe destacar el vals Natalia, de fama internacional. Sus primeras obras se concentraron en la guitarra especialmente en los valses venezolanos a los cuales les aplicó una forma diferente de tocarlos, normalmente de 3/4 los interpretaba en 6/8, llegando a considerarsele el "Strauss de la guitarra".
Él mismo se distinguió como un excelente guitarrista, pero su popularidad y brillo universal aumentó, sin duda, por la incorporación de obras suyas en los programas de tres grandes maestros del instrumento: el español Andrés Segovia, el australiano-británico John Williams y el venezolano Alirio Díaz, quien fue gran amigo de Lauro y quien fue, en 1980, el solista de la primera grabación en estudio de su Concierto para guitarra y orquesta con la Orquesta Sinfónica Venezuela.
La mayoría de su obras que son valses llevan nombre de mujeres. Sus piezas han recorrido el mundo, gracias a la ejecución que de las mismas hiciera el brillante guitarrista, Alirio Díaz.
Es considerado el más destacado guitarrista venezolano, su fama se extiende merecidamente más allá de las fronteras nacionales. No en balde, recibió los calificativos, por parte del compositor y crítico inglés, John Williams, de El Maestro o El Strauss de la Guitarra.
Brouwer nació en La Habana, donde comenzó a tocar la guitarra a la edad de 13 años atraído por el sonido flamenco y motivado por su padre, que era doctor y guitarrista aficionado. Su primer maestro real fue Isaac Nicola quien fue alumno de Emilio Pujol, y a su vez este fue alumno de Francisco Tárrega. Dio su primer recital a la edad de 17 años; aunque para este tiempo sus composiciones ya empezaron a llamar la atención. Preludio (1956) y Fuga (1959), ambas con influencia de Bartok y de Stravinsky, son muestra de su temprana comprensión de música no propia de la guitarra. Viaja a Estados Unidos para estudiar música en la universidad de Hartford y posteriormente en la Juilliard School, donde Stefan Wolpe le enseña composición.
Temprano en su carrera, Brouwer compuso sus Estudios simples 1-20 para ampliar los requerimientos técnicos de la ejecución en la guitarra. Con estos estudios Brouwer produjo sin duda una obra mayor en el desarrollo de la técnica en la guitarra, haciéndolos no solo técnicamente demandantes sino también altamente musicales.
Las primeras obras de Brouwer representan su contexto cubano y muestran la influencia de la música afrocubana y su estilo rítmico. Un buen ejemplo de este periodo es el Elogio de la Danza. Aunque es para guitarra sola, su segundo movimiento es un tributo a los Ballets Rusos (clara conexión con Stravinsky) siendo además este coreografiado. Le siguieron trabajos como su Sonograma 1 donde se refleja el uso de la incertidumbre, Canticum (1968), cuya primera parte representa el proceso por el cual un insecto adulto emerge del capullo e incidentalmente, incorpora un inusual cambio de afinación en la sexta cuerda a mi Bemol La espiral eterna (1971), Concierto para guitarra no. 1, Parábola (1973), y Tarantos (1974). Este periodo incorpora el uso del serialismo, el dodecafonismo y los modos seriales abiertos que en la época se consideraban avante garde y que en parte son inspiración de compositores que escuchaba con predilección como Luigi Nono y Iannis Xenakis.
Su último periodo es prácticamente en su totalidad minimalista, nunca yendo tan lejos como Steve Reich, pero una exploración de este estilo resulta evidente. Brouwer lo describe como el desarrollo de un sistema modular. El Decamerón Negro (1981) probablemente el primero en este estilo la Sonata (1990), Paisaje cubano con campanas (1986) y Hika (1996) en memoria del compositor japonés Tōru Takemitsu es la más reciente.
Así como composiciones originales para guitarra, Brouwer es un ávido arreglista de otros compositores como Elite Syncopations y The Entertainer de Scott Joplin, o Fool on the Hill de The Beatles (Lennon/McCartney) entre muchas otras que ha arreglado para guitarra sola.
Es además fundador del Grupo de Experimentación Sonora del Instituto Cubano de Arte e Industria Cinematrográfica ICAIC. En 2009 mereció el Premio Nacional de Cine 2009 por su fecunda vinculación con la cinematografía de la isla, que enriqueció con partituras memorables, y en 2010 se hizo acreedor del Premio Tomás Luis de Victoria.
Un Día de Noviembre es una pequeña pieza que compone en 1968 con una clara influencia de la música romántica que caracterizaba a Tárrega.
Un accidente marcó su infancia cuando, al parecer, cayó a una acequia en un descuido de la muchacha que le cuidaba, y quedó su vista dañada. Su padre, con el temor de que quedara ciego, se trasladó a Castellón para que asistiera a clases de música y pudiera ganarse la vida como músico.
Durante el invierno de 1880, sustituyó a su amigo y guitarrista Luis de Soria en un concierto en Novelda (Alicante), ciudad donde conoció a su futura esposa, María Rizo.
En 1881, después de un concierto en Lyon, llegó a París, donde conoció a los personajes más importantes de la época. Actuó en varios teatros, y fue invitado a tocar para la reina Isabel II de España. Tras tocar en Londres, volvió a Novelda para contraer matrimonio con su prometida María Rizo.
Realizó frecuentes giras: Perpiñán (Francia), Cádiz (España), Niza (Francia), Mallorca (España), París, Valencia, y más. En Valencia conoció a Conxa Martínez, rica viuda que lo tomó bajo su protección artística, y le ofreció a él y a su familia una casa en Barcelona. Allí es donde compuso la mayor parte de sus más famosas obras.
De vuelta de un viaje a Granada escribió el trémolo Recuerdos de la Alhambra, y en Argelia le llegó la inspiración para componer Danza mora. Allí conoció a Camille Saint-Saëns y más tarde, en Sevilla, escribió la mayor parte de sus Estudios. A su querido amigo y compositor Tomás Bretón le dedicó el hermoso Capricho árabe.
Se instaló en 1885 en Barcelona, y allí murió el 15 de diciembre de 1909.
Aparte de sus obras originales para guitarra, que incluyen Recuerdos de la Alhambra, el Capricho árabe y la Danza mora, arregló piezas de otros autores para este instrumento, como algunas de Ludwig van Beethoven, Frédéric Chopin, Felix Mendelssohn y la famosa Serenata Española del catalán Joaquim Malats.
Como otros de sus contemporáneos españoles, su amigo Isaac Albéniz, por ejemplo, Tárrega tuvo interés en combinar la tendencia romántica que prevalecía en la música clásica con los elementos populares españoles. El conocido guitarrista contemporáneo Angelo Gilardino escribió que los 9 preludios de Tárrega son "... el más profundo pensamiento musical de Tárrega de forma concentrada".
Se considera el creador de los fundamentos de la técnica de la guitarra clásica del siglo XX y del interés creciente por la guitarra como instrumento de recital.
La música más interpretada y oída en el mundo es la que ahora se conoce con el nombre Melodía Nokia (Nokia Tune) porque es el tono de llamada predeterminado que reproducen más de 850 millones de teléfonos móviles de esa marca comercial, entresacada de una pieza suya llamada Gran vals (compases 14 al 16). Esta melodía se ha convertido, por esa razón, en una de las más escuchadas en todo el mundo.[1] También es digno de mencionar que varios artistas de la actualidad han realizado versiones de piezas suyas: Mike Oldfield incluyó su versión particular y orquestal de Recuerdos de la Alhambra en la banda sonora de la película Los gritos del silencio (The Killing Fields, 1984): se trata del tema Étude.
Fue el hijo del también músico y laudista Johann Jacob Weiss. Hasta hace poco se creía que había nacido en 1686, pero recientes investigaciones indican que el año de su nacimiento fue 1687. A los 7 años actuó ante el Emperador del Sacro Imperio Romano GermánicoLeopoldo I de Habsburgo. En 1706 estaba al servicio del Conde Karl III Philip del Palatinado, que por aquel entonces residía en Breslau.
El 23 de agosto de 1718 fue nombrado músico de cámara del Príncipe Elector de Sajonia Augusto. Allí permaneció gozando de una buena situación económica y profesional hasta su muerte.
Este puesto le dio la oportunidad de contactar con algunos de los mejores músicos de la época, entre ellos Juan Sebastián Bach, con quien interpretó obras de forma conjunta y llegó a gozar de gran amistad.
También le obligaba a frecuentes viajes, como el que realizó entre finales de 1718 y principos de 1719 junto con otros doce músicos de la corte a Viena con motivo de la boda del Elector de Sajonia.
Fue uno de los más importantes y prolíficos compositores para laúd de la historia de la música, y destacó también por su técnica de interpretación. Escribió unas 600 piezas para laúd, la mayoría de ellas sonatas (no confundir con la forma sonata del periodo clásico), así como música de cámara y conciertos de los que sólo conocemos hoy las partes solistas.
Parece ser que mostró poco interés en publicar sus obras. Al igual que otros virtuosos, como Paganini, las utilizaba probablemente para un uso personal exclusivo.
Giuliani compuso 150 obras para guitarra, destacando los conciertos para guitarra y orquesta, opus 30, 36 y 70; las Rossinianas, opus 119-124 y varias sonatas para violín y guitarra
Nacido en Fuenlabrada (Madrid) el 8 de abril de 1784 y muerto el 29 de diciembre de 1849, es uno de los guitarristas españoles más célebres del siglo XIX. Inició sus estudios musicales con Fray Miguel García, conocido como Padre Basilio, y más tarde con Manuel García, el famoso tenor español. Influenciado por el italiano Federico Moretti, y junto con Fernando Sor, adoptó la notación convencional para guitarra, prescindiendo de la notación por tablatura, imperante en España en esa época.
La invasión de Napoleón, y lo que esto conllevó, no hizo sino ralentizar su aprendizaje. Después de un periodo de retiro que dedicó al estudio y perfeccionamiento de su técnica, se marchó a París en 1825, y atrajo la atención de músicos relevantes de la época (Rossini, Paganini, Vincenzo Bellini, Fernando Sor, Fossa, …) por su virtuosismo, y alcanzó un gran éxito con sus recitales. Con Sor hizo amistad, colaboró estrechamente e incluso vivió durante un tiempo. De hecho éste le dedicó un dueto (Op.41, Les Deux Amis, los dos amigos, una parte está marcada "Sor" y la otra "Aguado"). En 1838 regresó a Madrid, donde dedicó su vida a la enseñanza hasta que murió el 29 de diciembre de 1849.
Fue un profundo estudioso, dedicando muchos años al estudio de la guitarra, tanto en el aspecto musical como en el estructural. En el primero de los aspectos destaca por ser un estudioso de la digitación. Además, gracias a este estudio, desarrolló su método de enseñanza titulado “Escuela de Guitarra”, publicado en Madrid en 1825. Este método es considerado como el antecesor de los métodos publicados en el siglo XX. También se le conoce por la invención del tripedisono. De hecho, Aguado es considerado uno de los profesores más innovadores del siglo XIX. Del segundo de los aspectos cabe destacar que los seis agujeros presentes en el puente de la guitarra fueron ideados por él en 1824. Le son dedicados una escuela de música y un instituto de educación secundaria en la villa de Fuenlabrada.
Nació en el seno una familia bastante acomodada, ya que Sor descendía de una larga línea de militares (su padre era ingeniero de caminos, y su abuelo, nacido en el sur de Francia, lo fue en el ejército Francés). Intentó continuar esa tradición militar, pero se apartó de ella cuando su padre le introdujo en la ópera italiana. Se enamoró de la música y abandonó la carrera militar. Junto a la ópera, su padre también le orientó hacia la guitarra cuando, por entonces, era poco más que un instrumento tocado en tabernas, tenido por inferior a los instrumentos de la orquesta.
Al morir su padre en 1789, su madre no pudo seguir financiando sus estudios y el abad de Montserrat, Joseph Arredondo se ofrece a tomar al niño para estudiar gratuitamente en la Escolanía del Monasterio de Montserrat, próximo a Barcelona. El estudio allí giraba en torno a la música. Fue en este monasterio donde comenzó a escribir sus primeras piezas. Sin embargo sus profesores, sobre todo el padre Viola, no apreciaban la guitarra, y por tanto la formación de Sor para este instrumento es autodidacta, antes y después de su etapa en Montserrat.
En 1795 vuelve a Barcelona y empieza su carrera militar como subteniente bajo el General Vives en el ejército de Villafranca. El cargo le permite dar sus primeros conciertos de piano y guitarra y componer. En 1797 tuvo lugar en el Teatro de la Santa Cruz de Barcelona el estreno de su ópera Telémaco en la isla de Calipso.
En 1801 se traslada a Madrid, donde pretende acercarse a los círculos musicales de la Corte de Carlos IV y entrar en la Real Capilla o en la Real Cámara. No es bien acogido allí. Pero la XIII Duquesa de Alba lo acoge y protege en su círculo de artistas. Ésta muere poco después y es el Duque de Medinaceli quien le da un cargo de administrador de fincas en Barcelona, donde vuelve en 1802.
En 1808, cuando Napoleón Bonaparte invadió España, pasó a escribir música nacionalista para la guitarra, acompañada a menudo por líricas patrióticas. Después de la derrota del ejército español, Sor aceptó un puesto administrativo en el gobierno de ocupación, bajo la monarquía de José Bonaparte. Fue Prefecto de Policía en Málaga en cuya catedral hay expuestas algunas de sus obras. Tras la expulsión de los franceses en 1813, Sor y muchos otros artistas, aristócratas e intelectuales más importantes de la época que simpatizaban con la monarquía de José Bonaparte abandonaron España por miedo a las represalias y por la estima que tenían a Francia por sus ideas avanzadas.
Si bien no hay constancia de su pertenencia a ninguna Logia, la afiliación de las personas que más le ayudaron en la época deja pensar que pudo ser masón, iniciado por sus amistades durante la ocupación Francesa de España. Se fue a París, y nunca volvió a su país de origen. En París hizo amistad con muchos músicos, entre ellos el también guitarrista español Dionisio Aguado, también huido de España, colaborando estrechamente e incluso conviviendo juntos durante un tiempo en el Hôtel Favart, que hoy sigue en pie y en funcionamiento. Compuso un dueto para los dos (Op.41, Les Deux Amis, los dos amigos en el que una parte está marcada "Sor" y la otra "Aguado").
Comenzó a ganar renombre entre la comunidad artística parisiense por sus habilidades para la composición y para tocar la guitarra, e inició ocasionales viajes a través de Europa, obteniendo considerable fama y convirtiendo a la guitarra en un instrumento de concierto. Estuvo en Inglaterra en 1815 donde fue reconocido como compositor de óperas y ballets. En 1823 viajó a Rusia, donde escribió y presentó exitosamente el ballet Hércules y Onfalia con motivo de la coronación del zar Nicolás I. En 1825 un ballet suyo, Cenicienta, inaugura el teatro Bolshoi. La prima ballerina es su amante o mujer del momento: Felicité Hullin. En 1827 se asentó y decidió vivir el resto de su vida en París. Esto es debido en parte a su edad madura y en parte a su pérdida de mecenazgo en Rusia, tras la muerte de la zarina madre Isabel. Durante esta etapa madura compuso muchas de sus mejores obras.
Los principales ingresos de un músico en la época de Sor eran los conciertos y la edición de partituras. Los conciertos se daban entre varios músicos en honor a uno de ellos y éste cobraba los honorarios. Esto se hacía de forma rotatoria por círculos de músicos afines y amigos. En cuanto a las partituras, publicadas por Jean Antoine Meissonnier, las piezas de Sor no eran precisamente vendibles a la masa de amateurs por su dificultad, y le exasperaba componer para amateurs poco esforzados. En cualquier caso acabó publicando piezas fáciles y evolutivas haciendo los mínimos sacrificios artísticos posibles.
El final de su vida es acomodado pese a la leyenda (compartida por muchos artistas románticos) de la muerte en el olvido y la miseria. El último concierto en su beneficio lo da el 24 de abril de 1836 junto con Aguado.[1] Un testimonio sobre el final de su vida lo dan sus amigos Eusebio Font y Moresco y Jaume Batlle i Mir en un articulo de la Opinión Publica de Barcelona de enero de 1850. Sin embargo su hija Carolina, arpista y pintora, muere el 8 de junio de 1837. Su última obra fue una misa en honor de ella. Esta muerte sumió al ya enfermo Sor en una seria depresión, y murió el 10 de julio 1839 de cáncer de la lengua.
Su tumba fue identificada en el Cementerio de Montmartre en los años treinta a iniciativa de Los Amigos de la Guitarra de Paris (André Verdier, Emilio Pujol y el danés Ostergaard entre otros). Fue restaurada para evitar la caducidad de 100 años de las concesiones que habría implicado el paso de los restos a una fosa común y la reutilización del nicho. Estaba enterrado en la tumba del noble español David del Castillo, amigo de Fernando Sor, cuya familia también huyó de España. En 1936 hubo dos ceremonias para inaugurar la tumba restaurada: La primera por el Gobierno de la República y al poco por el gobierno del general Franco. De nuevo en 1978, la tumba vuelve a estar en pésimo estado y es restaurada con el añadido de una escultura del canario afincado en Francia Ángel Peres. La tumba se puede seguir visitando en la división 24 del Cementerio de Montmartre, se puede ver fácilmente desde la avenida interna Samson.
Pese a haber nacido en Barcelona en la Calle Sant Pau (seguramente donde está el actual Liceo o muy cerca), no hay todavía una placa que lo recuerde.
Su estilo se caracteriza principalmente por el uso de un lenguaje guitarrístico bastante avanzado para su época, pero, aun así sigue siendo considerado como un compositor totalmente clásico. Sin embargo, muchos intérpretes acostumbran hacer una interpretación de sus obras con un enfoque "romántico".
Incursionó en distintas formas musicales –como por ejemplo divertimentos, tema con variaciones, sonatas, fantasías, minuetos, duetos, así como diversa música vocal- haciendo muestra de su conocimiento en cuanto a las técnicas de composición de la época. Sin embargo, sus obras son claras y en cierto modo sencillas, lo cual permite una fácil asimilación para aquel que las escuche.
Hacia un uso frecuente de las tonalidades menores como preámbulo a sus piezas, un ejemplo claro es la introducción de las Variaciones sobre un tema de Mozart, la cual está en mi menor pero en el transcurso de ésta, modula para así mostrar el tema en Mi mayor. Otro ejemplo de esta característica es el "Gran solo" en donde el ejemplo es el mismo, solamente que en Re menor.
Otra característica de su estilo compositivo es el sutil uso de "retardos armónicos" muy al estilo de Haydn y Mozart. Del mismo modo, es posible encontrar más similitudes con dichos compositores, pero esto se puede observar como resultado de la influencia del estilo predominante en su época, el Estilo Galante.
Desde su salida de la escuela de Monstserrat, Fernando frecuenta amateurs, profesionales y notables interesados en aprender el arte de la guitarra o de la armonía. Entre sus alumnos figuran Isabella Colbran y José de San Martín. En su etapa madura en Paris editó por sí mismo una obra didáctica, de referencia todavía hoy: Método para guitarra, publicado en 1830 y traducido a varios idiomas, incluido al castellano, en el año 2008, a los 178 años de su primera edición. Ha habido muchos apócrifos derivados, reeditados y vendidos de este método y es aconsejable informarse bien antes de seguir uno, siendo la consigna seguir el original de 1830, del que quedan pocos auténticos.
Ferdinando Carulli (Nápoles, Italia, 9 de febrero de 1770 — París, Francia, 17 de febrero de 1841), fue un compositor y guitarrista italiano, considerado como uno de los mejores profesores de la historia de la guitarra. Muchas de sus más de cuatrocientas piezas se utilizan como métodos de aprendizaje y perfeccionamiento de las técnicas para manejar este instrumento.
Leo Maria Meinrado Francesco Pascale Rosario Carulli nació en Nápoles en 1770, en el seno de una familia acomodada. Como muchos jóvenes de la época aprendió la teoría musical con un sacerdote músico aficionado, siendo su primer instrumento el violonchelo. Pero cuando a la edad de 20 años descubrió la guitarra, abandonó el violonchelo y se dedicó por entero a dicho instrumento.
Por aquel entonces no existían auténticos profesores de guitarra en Nápoles, lo que le obligó a desarrollar su propio estilo y técnica. Con posterioridad él mismo publicaría su método, que ha permanecido hasta la actualidad como material didáctico de referencia para la guitarra.
Sus conciertos en Nápoles le dieron la suficiente popularidad para empezar las giras por el resto de Europa. Sobre 1801 Carulli se casó con la francesa Marie-Josephine Boyer, con quien tuvo su hijo Gustavo. Luego se trasladó a Milán, donde publicó algunas de sus obras.
Su enorme popularidad hizo que en 1808 se trasladara a París, donde permanecería el resto de sus días componiendo y ejerciendo el profesorado de guitarra. Falleció en esa ciudad el 17 de febrero de 1841.
La primera mitad del siglo XIX experimentó un surgimiento del interés en la guitarra, fomentado por virtuosos que además de componer, desarrollaban "métodos" para los aspirantes. París, como centro para los aficonados a la guitarra atrajo luminarias tales como el madrileño Dionisio Aguado, el barcelonés Fernando Sor (quien también estuvo algún tiempo en Londres), el nacido en Francia Napoleón Coste, el florentino Matteo Carcassi y Carulli. quien se volvió el guitarrista más prominente de la ciudad -ocasionalmente rivalizando con Carcassi- hasta que en 1823 Sor arribó a la capital francesa.
Su éxito se basó en que fue el primer guitarrista que creó escuela y que utilizó este instrumento para ejecuciones artísticas. Asimismo trabajó con el guitarrero francés Lacote en el perfeccionamiento de la sonoridad del instrumento.
Entre sus muchos trabajos, el más famoso y que contiene muchas piezas de fácil ejecución es su método "Armonía Aplicada a la Guitarra" de 1825, una serie de piezas aplicadas a la enseñanza que todavía hoy son vigentes.
Su pieza musical para guitarra titulada Los tres días (1830), describe los días de la revolución de París de 1830.
Se destacan especialmente sus 3 conciertos para guitarra y orquesta, el Op. 8 en la mayor, el Op. 140 "Petit Concerto de Societé" y el doble concierto para Flauta Guitarra y Orquesta.
Matteo Carcassi (Florencia (Italia), 1792 — 16 de enero de 1853), fue un compositoritaliano, uno de los mejores compositores románticos para guitarra de la época, junto con Ferdinando Carulli con quien compartía gran fama, con composiciones que actualmente son material de estudio imprescindible para cualquier estudiante de guitarra
Empezó estudiando piano pero después cambió a la guitarra. Inició su carrera de concertista a los 18 años, rápidamente fue considerado como un virtuoso del instrumento. Realizó conciertos en Alemania, Inglaterra y otros países europeos además de en su país.
Como característico fue uno de los que apoyaron el utilizar las yemas al tocar, en vez de usar las uñas. Esto da como resultado una sonoridad y color diferente, más acorde con las piezas que se tocaban (actualmente sigue vigente). También era muy característico por tener una postura diferente a la hora de tocar.
En 1840 se trasladó a París donde trabajó como profesor de piano, guitarra y composición, dejando de lado su carrera de concertista.
Falleció el 16 de enero de 1853, a los 61 años de edad.
Las Fantasías eran sus mejores composiciones (las fantasías derivaban de Óperas de la época)
Escribió alrededor de 80 piezas para guitarra publicadas mayoritariamente en Meissonnier.
Manuscritos:
Variations sur la romance les Laveuses du Couvent, [BNF Ms 4595 ].
Obras para guitarra:
Op. 1, 3 Sonatines.
Op. 2, 3 Rondos.
Op. 3, 12 Petites pièces.
Op. 4, 6 Valses, [BNF Vm 12 g 15 570 ].
Op. 5, Recueil Le nouveau Papillon, choix d'airs fáciles, [BNF Vm 9 3335 ].
Op. 6, Introduction, variations et finale sur un duo favori (thème de Martini), [BNF Vm 9 3334 ].
Op. 7, Au Clair de la Lune, varié, [BNF Vm 9 3333 ; Vm 9 3333A ].
Op. 8, Recueil Etrennes aux amateurs, 6 contredanses, 6 valses et 3 Airs variés.
Op. 9, 3 Airs italiens, variés, [BNF Vm 9 3332 ; Vm 9 3332A ].
